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viernes, 29 de julio de 2011

ALGUIEN LO SUGIRIÓ: MÚSICA QUE ROMPIÓ MI CABEZA

Gracias al aporte del amigo Zadi, de Cualquier Cosa Menos Sordo se nos ocurrió retomar su idea de postear acerca de la música que nos cambió. Esa música que te encontró en un recodo, sin aviso, sin promoción y que te hizo sentir que la descubriste. Esa música que activó tu sensibilidad y no pudiste parar de oirla hasta haber penetrado lo más profundo de ella. Esa música que te dejó convencido de que, no solo tu cabeza, sino todo vos ya no fuiste el mismo después de conocerla. Seguramente para cada quien esto es diferente, pero lo que sin duda es igual es que hay alguna música que alguna vez te "rompió la cabeza".

Lo que es seguro también es que esto se da en etapas y que se va superponiendo como capas en la piel. Lo bueno también está en que lo que ya tenés incorporado te ayuda a captar lo nuevo y lo nuevo te ayuda a reactivar lo que traías, en una interacción rejuvenecedora y enriquecedora. Después que vengan con que el arte es algo superfluo y accesorio ... El arte - y la música es parte del arte - logra modificar nuestra percepción del mundo y no solo ello, sino también nuestra concepción del mismo. Si eso no es sustancial, ¿qué lo es?

Para nuestra generación la construcción de la cultura se realizó a través de muchas cosas, una de ellas es la música y muy especialmente el Rock, en todas sus variantes. La nuestra es una cultura Rock, genuina, profunda, ya arraigada definitivamente. Fue uno de esos fenómenos artísticos que cambió el mundo. No el show - bussines del Rock comercializado, sino ese que golpeó la conciencia joven - a su tiempo - pero que se prolongó y metamorfoseó a lo largo de las generaciones, uniéndolas. Hoy a los festivales de Rock van los padres con sus hijos y los nietos con los abuelos. Hoy hacen Rock los hijos de los roqueros y los roqueros hacen ya una música universal. Y que tampoco me vengan a hablar de la penetración industrial - comercial de los imperios económicos, porque está lleno de fenómenos comerciales de ínfima calidad artística producidos por muchas culturas vernáculas que no tienen explicación más que en el consumo pasatista. En cambio, del Rock han surgido muchísimas, tantísimas expresiones de autenticidad artística, algunas menos logradas que otras, pero que sí ocupan un principalísimo lugar desde el punto de vista de la creación artística.

Todo esto para llegar a otra consideración: cuando decimos la música que rompió mi cabeza, no solo queremos decir aquella que me gustó, sino aquella que me despejó un panorama desconocido, aquella que me internó en territorios inciertos, la que despertó sensaciones no experimentadas, la que invitó a caminos de los cuales no hay marcha atrás porque te dejan huellas indelebles.

Lo que yo puedo dejar aquí es lo que ha sido [y sigue siendo] mi experiencia, similar a la de muchos quizás, diferente a la de muchos otros, sin duda. Pero es la única que puedo transferir con propiedad y acaso, compartir con la de los demás.

Pues sí, aquí va:

La primera música que rompió mi cabeza fue, ¿qué duda cabe?, la de The Beatles. Tengan en cuenta la generación a que pertenezco, los que hoy andamos en la cincuentena, y comprenderán que no pudo ser de otro modo. Sin embargo, a mí me agarró muy joven, tendría unos 8 años, pero tenía a mi alrededor a otros un poco más grandes, lo que me facilitó el acceso. Pero lo más notable de todo - y que aún hoy agradezco - es que fue mi padre quien introdujo silenciosamente en mi casa el primer LP de The Beatles que conocí, la banda sonora de A Hard Day's Night, o sea la versión USA del disco, que fue la que se editó en Uruguay en vinilo. Uno ya había escuchado a los cultores rioplatenses, sobre todo del twist y algo del Rock, pero tomar contacto con The Beatles fue experiencia suprema, sobre todo cuando estando reunidos en mi casa con hermanos y vecinos, comenzó a sonar A Hard Day's Night repentinamente y nosotros reaccionamos como con resortes. Allí se abrió un grifo que nunca más cerraría. 


EDICIÓN URUGUAYA DE A HARD DAY'S NIGHT 
CON SU PECULIAR CARÁTULA EN FUNDA PLÁSTICA


Lo más interesante es que poco tiempo después The Beatles volverían a abrirme la cabeza a través de mis oídos, sobre todo luego de tomar contacto con el Sgt. Pepper y lamentablemente de modo tardío con el White Album, que en Uruguay se conoció recién en 1969.

Pero reconozco que la huella beatle ha quedado totalmente impregnada y ha condicionado lo que vendría después.

Las otras experiencias que generaron transformaciones vinieron también con cierto retraso dado que al Río de la Plata las novedades llegaban lentamente. Se dependía de las editoras locales que compraban la representación de los sellos discográficos y recién entonces se podía acceder a la discografía de bandas que fuimos descubriendo de a poco y sin orden preciso.

Tras The Beatles, vino el Rock pesado, como le decíamos. Recuerdo un Profesor de Educación Musical en la época del secundario que nos permitía oir durante los recreos fragmentos de nuestros discos. No era un Profesor joven, sino todo lo contrario, un señor ya mayor que, contra todos los preconceptos, nos intentaba atraer a la música partiendo de nuestros gustos. Y allí entramos a otro mundo, otra línea. Allí sentí esa sensación de "esto es algo completamente nuevo y desconocido". Allí estaba Led Zeppelin, sobre todo con Heartbreaker y Whole Lotta Love y todo ese álbum impresionante que es el Led Zeppelin II. Para mí fue un sonido que nunca había imaginado. Y poco después apareció por allí mismo Deep Purple. Por ese entonces hacíamos una fuerte circulación de discos entre los amigos, pero en sentido material. Apenas si había alguno que disponía de un grabador de casetes que todavía eran rarísimos. De manera que era muy frecuente que saliéramos a la calle con unos seis u ocho discos bajo el brazo, algunos para devolverlos a sus dueños, otros para prestarlos y volver luego a casa con un nuevo cargamento de discos obtenidos entre los amigos para ver si aparecía algún otro que te "rompiera la cabeza".





Todavía estamos a principios de los '70. La próxima entrega será sobre la irrupción del Progresivo, uno de los descubrimientos más determinantes.

Hasta entonces. 

martes, 26 de julio de 2011

LLEGÓ: IN A PERFECT WORLD, DE KARMAKANIC

Programada su salida para el 25 de julio, hoy ya es posible encontrar este disco, ¡discazo!, en la Web. Se hizo esperar, pero ya desde los avances se pudo apreciar que se venía algo grande. 





Esta banda de Jonas Reingold ya nos ha acostumbrado a las altas performances, tanto en la creación como en la ejecución. Se ha dicho que este disco es una especie de Who's The Boss In The Factory? segunda parte. En parte es así, pero también aporta cosas que ya venían de antes, de sus discos anteriores, temas con más frescura y con ritmos más variados, lo que no quiere decir que Who's The Boss ... no haya sido un excelente disco. Pero creo que mantenía una línea algo más unitaria que este. Sin embargo, está muy bueno que vayan navegando por diversas vertientes e influencias. Por ejemplo, además de seguir las propias líneas que trazaron en discos anteriores, se percibe un claro homenaje al Yes sinfónico en el primer tema, titulado 1969, o sea, el año seminal del Prog Rock y de la revolución musical que lo acompañó.

En la segunda pista, con el título Turn It Up, volvemos a hallar la huella Yes, pero ahora el de los '80 - '90, con alguna otra mezcla. Muy en el fondo también se puede advertir un pequeño toque Genesis, de su época posterior a la salida de Hackett. 

De más está decir que la filiación con The Flower Kings sigue presente a todo lo largo, a la que se suma también alguna alusión a Agents Of Mercy, una banda casi gemela de Karmakanic, pero con Roine Stolt a la cabeza.
Por momentos se pone mucho más Heavy y en otros se aligera, deambulando por una gran riqueza de sonidos, timbres, tonos, ritmos, voces y ecos.

En el cuarto tema, Can't Take It With You, aparecen ritmos latinos caribeños que se envuelven en una onda metálica con fuertes percusiones y texturas sonoras densas que dan una fusión sumamente interesante, salpicado con juegos vocales que ondean en la altura clara, casi acústica y se hunden en la marea sonora empastándose, como saliendo de detrás de una gruesa cortina.

La banda está integrada, en este disco, por casi los mismos músicos que el disco anterior. Ha salido Zoltan Csorsz de la percusión y lo sustituye Marcus Lilequist, y se agrega Nils Erikson en voces y teclados. Los demás, Jonas Reingold en bajo, Goran Edman en voces, Lalle Larsson en teclados y Krister Jonsson en guitarra, continúan del line up anterior. Los nuevos músicos ensamblan perfectamente con el virtuosismo de los que vienen de antes.

De esta manera, Karmakanic puede, en este nuevo opus, despacharse visitando diversos territorios musicales y aludiendo tanto a Yes como a Spock's Beard, The Flower Kings, Agents Of Mercy y, si repetimos cuidadosamente la audición aflorarán seguramente otras citas que están entretejidas en la trama compleja de este disco que recomendamos sin ambajes.


¡Que lo disfruten!

Hasta pronto

lunes, 25 de julio de 2011

CONJUNCIÓN ESTELAR DE DOS MAESTROS

Ya comentamos en otro post acerca de la realización en junio y julio de varios festivales de primer nivel. Entre estos eventos destacamos el Sunflower Jam. Pues bien, ya se puede encontrar en la Web alguna cosa de esa super zapada en la que intervineron músicos de primera. Como primera muestra, se puede acceder a un set de 6 temas con participación de músicos como Jon Lord, Joe Bonamassa, Anna Phoebe, Paul Wickens y Rick Wakeman.

La actuación se realizó el 8 de julio en el Royal Albert Hall. Como sabemos, tiene fines benéficos para apoyar obras con fines de investigación y cura de diferentes enfermedades. En tres de los temas puede oirse tocar juntos a estos dos enormes tecladistas que son Lord y Wakeman.






El set list de esta parte incluyó los siguientes temas:
1 Who Killed John Henry (Joe Bonamassa, Jon Lord, Sunflower Band)
2 Bouree (Jon Lord, Anna Phoebe, Sunflower Band)
3 Pictured Within (Jon Lord, Steve Balsamo, Anna Phoebe, Paul Wickens)
4 Eleanor Rigby (Rick Wakeman)
5 It’s Not As Big As It Was (Jon Lord, Rick Wakeman, Sunflower Band)
6 Life on Mars (Jon Lord, Rick Wakeman, Newton Faulkner, Anna Phoebe, Sunflower Band)

La Sunflower Band está integrada por:

Paul Wickens en Dirección y teclados, Murray Gould en guitarra, Micky Moody en guitarra, Nick Fyffe en bajo y Jerry Brown en batería.

En otra parte actuó Deep Purple, pero sin contar con Jon Lord. Ahora esperemos que aparezca la actuación de esta banda.


Y también esperemos que apareza algo del High Voltage Festival que se realizó este fin de semana en el Victoria Park de Londres y de donde podrá salir un montón de actuaciones muy esperadas.

Hasta entonces, pues.

Seguimos en contacto.

HAGO UN BREVE PARÉNTESIS EN LA MÚSICA

Ya habrán comprobado que no soy de poner posts relativos a cuestiones deportivas. En esta oportunidad voy a hacer una excepción y voy a aludir al desenlace de la Copa América que se disputó hasta el día de ayer en la República Argentina y que dejó como Campeón de la misma al país en el que nací. No puedo negar que en este país, donde el fútbol se aprende en la panza de la madre, este campeonato concitó un enorme interés, dentro del cual me incluyo. Por eso también hemos estado unos cuantos días sin publicar nada. 

El resultado del Campeonato me satisfizo mucho, pero no por el motivo que sería más obvio, eso que llaman patriotismo. [No me acuerdo quién dijo que la patria es el pedazo de tierra que me ha tocado conocer más de cerca]. Nada más lejos de mi ánimo  que el desarrollar un discurso nacionalista, patriotero y chovinista. Por el contrario, si los motivos de mi satisfacción los hubiera apreciado en otro seleccionado nacional no dudaría un instante en aplaudirlo. 

Cuando se disputaban las eliminatorias para el Campeonato Mundial de 2006 en Alemania, la selección uruguaya perdió 10 de 12 puntos consecutivos que tuvo que jugar en un tramo de esa eliminatoria. Jugó cuatro partidos en dos meses y tan solo pudo empatar dos de ellos y perder los otros dos, uno de ellos como local. Ahí supe que Uruguay no merecía estar en Alemania y al fin y al cabo me alegré de que no llegáramos, porque hubiéramos ido para hacer papelones. Y mi convicción no estribaba únicamente en el hecho deportivo de perder o empatar, sino en el hecho antideportivo de jugar sin convicción impidiendo que quienes lo querían hacer honestamente no pudieran hacerlo. Seguramente hubo excepciones entre aquellos jugadores, pero los que venían precedidos de un cartel de superestrellas, palanqueados por contratistas y periodistas, fracasaron rotundamente, vergonzosamente. ¿Porque jugaron mal? No, porque su actitud fue un fraude y de hecho algunos solo hicieron la pantomima de jugar.

La eliminatorias para Sudáfrica 2010 fueron diferentes, aunque generaron desconfianza al principio. No queríamos más de lo mismo. Tampoco queríamos genios distantes, helados y maquinales. Queríamos gente auténtica, queríamos actitudes humanas honestas, queríamos buena gente. Y si bien deportivamente no nos fue tanto mejor que antes, lo que se perdió se perdió con vergüenza y lo que se ganó, se ganó con humildad. Y con justicia, porque a partir de allí se acabó el todo vale. Y así, arañando fuimos a Sudáfrica, y allí se apreciaron los frutos. No fuimos campeones del mundo, pero quedamos ampliamente satisfechos por lo que hicieron los jugadores.

¿Qué cambió? Muchas cosas, y no voy a hablar de lo deportivo, que a mi juicio es el segundo plano de lo que está pasando. 

La primera, es que en buena hora nos extirparon esa cosa nunca bien definida que nos habían enseñado como "garra" y la reinventaron para bien. A todos los que hemos pateado una pelota , alguna vez nos dijeron: "pegale en la cabeza, que no renguea" y nos fomentaron que fuéramos "vivos" [o como se dice por aquí, que "garroneáramos"]. Estos jugadores no son señoritas, pero juegan limpio y con argumentos deportivos, no con avivadas.
La segunda, que el trasfondo machista del fútbol por suerte se va desdibujando y prevalece en estos seleccionados el no apelar al matonismo cuando las cosas no salen bien. Si se gana bien y si se pierde, aceptarlo y tratar de mejorar y evitar perder en el futuro, pero no salir a pura prepotencia a amedrentar a los otros. Hubo épocas en las que parecía que la hombría se demostraba a piñazos.

La tercera, que esto es competencia deportiva y que nadie es mejor que nadie, sino que ganan los que hacen mejor las cosas. Es cierto que la competencia entre países puede fomentar la xenofobia y el patrioterismo, pero bien encarada la cuestión, se llega a comprender que es una cuestión de hacer y no de ser. Ganar al fútbol no convierte a nadie en mejor persona. Pero además conlleva la idea de que merece el triunfo el que más y mejor hace para obtenerlo.

La cuarta, y no menor, porque el ejemplo cundió de arriba a abajo y hay una actitud netamente educativa. Hoy se habla de una educación permanente, de una formación constante. Hoy ya nadie puede sentir que ha logrado todo de una vez y para siempre, sino que siempre hay espacio y tiempo para mejorar. Para que eso ocurra, desde la cabeza se debe poder trasmitir claramente ese mensaje. Allí interviene el oficio y la capacidad docente. Y eso ha ocurrido con los integrantes de este seleccionado: tuvieron una figura determinante en ese sentido, que se llama Óscar Tabárez, quien conjugó su profesión de Maestro de escuela [también fue Director de escuela] con su trayectoria como jugador de fútbol profesional y de Director Técnico de fútbol.



El Maestro


El Técnico
 
Pero como las personas son una, el Maestro sigue viviendo en el Técnico, y desde adentro aflora para guiar a los más jóvenes, para que primero sean buenas personas y después puedan ser leales deportistas. Por eso, tras obtener el Campeonato enfatizó que estos procesos no se terminan en lo deportivo, sino que deben ser una contribución para lograr una sociedad mejor.

Por ello es que me muestro satisfecho, no por fetichismo del "paisito", no por los lugares comunes del patriotismo de consumo [al fin y al cabo muchas atrocidades se han hecho en nombre de la patria], no por una resurrección de las señas de identidad de nuestra mitología nacionalista, sino por el triunfo, aunque sea al menos transitorio, de valores esencialmente humanos, basados en el respeto de la persona, tanto sea ella la que se me parece como aquella que es muy diferente.

Cierro el paréntesis.

sábado, 9 de julio de 2011

UN POQUITO MÁS DE WETTON

En el post correspondiente a la aparición de Raised in Captivity, de John Wetton habíamos incluido tres links que llevaban a páginas que permitían acceder al disco. Y si bien fue muy cercano en el tiempo a la salida del disco, encontrábamos luego que faltaba un tema, el tercero, Goodbye Elsinore, en el que interviene Steve Hackett. Tampoco habíamos consignado en ese momento la colaboración en todos los temas de Billy Sherwood - así como en la producción - lo cual constituye una importante omisión. Pero ahora podemos subsanarlo, gracias a los amigos The Forgotten Sons. 



Dicho sea de paso, este es un excelente blog que aporta gran cantidad de novedades y permite acceder a impresionantes bandas que muchas veces son poco más que desconocidas.
Agradecimiento especial a The Forgotten Sons y los invito a darse una vuelta por allí
No solo encontrarán el disco con el tema perdido, sino también con todos los scans de portada.
A disfrutarlo!!!

Hasta pronto

viernes, 8 de julio de 2011

Y UN DÍA SURGIERON LOS VIDEO CLIPS

Por cierto que ahora ni siquiera se les llama así, pero allá por los años '80 tuvo su furor la denominación de video clip para videos musicales que solían presentarse como piezas promocionales de bandas y artistas y sus creaciones musicales. Que las piezas promocionales ya existían desde por lo menos 20 años antes, es un hecho incontrastable, pero la novedad que presentaban los video clips era que o bien desarrollaban una historia que se mezclaba con la música o bien configuraban una composición plástica, visual, con una estética propiamente cinematográfica y no necesariamente al servicio de la promoción. Es así que se desarrolló allí un espacio cinematográfico nuevo, con caracteres propios, diferente del cine musical, del cortometraje y de la pieza publicitaria, aunque contuviera elementos de todas ellas, y más. Pero sería una injusticia desde el hoy, en que cualquiera tiene la democrática posibilidad de crear y publicar masivamente su propio video a través de los mecanismos provistos por la Web, considerar que el origen de estas obras estriba únicamente en los años '80. Antes bien, lo que ocurrió en esa década es que se industrializó lo que fue una práctica más trabajosa en las décadas anteriores. De hecho, hay video clips más antiguos, pero todavía en una actitud exploratoria de un territorio nuevo y aún bastante desconocido, aledaño a la publicidad y a la cinematografía general.

Los cortos de promoción son numerosos para todos los grupos de los '60. Pero la característica principal consistía en hacer aparecer al grupo tocando sus temas, o simulando que lo hacían, con algunos pocos elementos escenográficos y poco más. Quizá donde se puede apreciar una aproximación a la idea del video clip haya sido en A Hard Day's Night, filme de Richard Lester con The Beatles, pero no lo es, porque es una película de largometraje, realizada desde esa óptica, por más que hilvane los temas dentro de una trama de narración. Otro tanto podría decirse de Help!!!, del mismo director y los mismos Fab 4. No obstante, Lester creó un modelo que sería repetido muchas veces en el cine musical de bandas de moda y éxito.
The Beatles tuvieron también una larga serie de cotros promocionales, recogidos ya en varias recopilaciones. Algunos de ellos, como los de Rain y Paperback Writer se aproximan bastante, pero aún están más en la órbita publicitaria que en el área propiamente creativa. Sin embargo, en torno a 1967 - 1968, los cortos de The Beatles dan un vuelco fundamental y es ahí donde sí podemos entrever el surgimiento propiamente dicho del video clip como una obra creativa en sí misma, sin perjuicio de dar difusión a la música. En relación al álbum Sgt. Pepper's Lonely hearts Club Band, encontramos tres joyitas de la prehistoria del video clip. Es cierto que son ampliamente conocidas, pero no por ello se pierde el gusto y el disfrute de verlos.

Previo a la salida de Sgt. Pepper, se editó un single cuyos temas eran tan buenos ambos que merecía tener dos lados A. Dos temas que hubieran calzado de maravillas en el álbum, pero que solo fueron editados en ese single. Se trata de Strawberry Fields Forever y Penny Lane. Conjuntamente salieron dos clips que realzan la música, pero que son obras visuales por sí mismos. Los invito a verlos.






Un poco menos conocido que estos anteriores es un clip en el cual se presenta el álbum, con la pista que abre el set list, Sgt. Pepper's Lonely hearts Club Band, y la imagen consiste en la animación de la carátula del álbum, obra del artista pop inglés Peter Blake. Algunos fragmentos de este corto se incluyeron en The Beatles Anthology y en The Making Of Sgt. Pepper y algunos dcumentales más. Nosotros lo presentamos aquí íntegro, con una definición de imagen, no obstante, bastante pobre, ya que no dimos con una versión que se viera mejor. De todos modos, vale la pena verlo.




Y agregaremos otra pieza, esta no tanto como video clip sino como registro de una hecho histórico que involucra a The Beatles. En 1967 se realizó la primera trasmisión global de televisión vía satélite, en un programa que se denominó Our World. Se emitió el 25 de junio de ese año - hace 44 años - y la BBC encargó a The Beatles la composición de un tema que representara a Gran Bretaña en ese evento. El tema, firmado por Lennon - McCartney, pero de autoría de John Lennon era All You Need Is Love, el himno que signó a esa generación. El video muestra el estudio de televisión, los músicos de cámara que acompañaron a The Beatles, a estos mismos con el aire psicodélico al uso en ese momento y a un afortunado selecto grupo de espectadores - acompañantes, entre los que se puede identificar a un fiel adepto y sincero admirador del grupo, Mick Jagger.



Para finalizar este post, quiero agregar un video que tiene que ver con The Beatles y con su legado a la cultura contemporánea. Al compás de uno de sus mejores temas, I Am The Walrus, pero únicamente con la música, se desarrolla una animación interesantísima, producto de la creatividad del español Álvaro Ortega, quien cuenta con numerosas animaciones relativas a los maestros de Liverpool. Y como esta página se llama ABBEY ROAD y se basa en la imagen de los cuatro Beatles cruzando la calle, encontramos un particular interés en esta animación en la que se conjuga ese cruce de la calle y el andar de The Beatles con sus diversas épocas, aspectos e indumentarias, que representan las etapas de su evolución artístico - creativa. Excelente video que queremos compartir con ustedes, resaltando el altísimo mérito que asiste al amigo Ortega, al cual si quieren conocer más, pueden seguir aquí

Y ahora, la animación

Cada día nos convencemos más de que de estos genios salió todo lo que otros luego recogieron y desarrollaron para mayor mérito de The Beatles, la banda seminal de la cultura Rock contemporánea. 

Sé que puedo sonar exagerado y que resulte polémica mi afirmación, por lo cual se aceptan comentarios y controversias, siempre en tono de intercambio y enriquecimiento.
Hasta la próxima.

martes, 5 de julio de 2011

RAGE AGAINST THE MACHINE - BARBARA KRUGER - MEL RAMOS: EVIL EMPIRE

En 1996 la banda de Rap Metal Rage Against The Machine con sus carismáticos Zach de la Rocha y Tom Morello, publicaron un disco de mucho peso en su trayectoria: Evil Empire. Es un disco donde se refuerza el compromiso de los músicos con causas revolucionarias y contra sistémicas de diversas latitudes. Apuntan sus baterías hacia su propio país de origen, los Estados Unidos y lo centran como Imperio del Mal. Revierten de este modo la denominación que había sido acuñada desde la Guerra Fría para referirse a la ex URSS y que había sido intensamente usada por Ronald Reagan en su campaña anti soviética en el contexto de una hipotética Guerra de las Galaxias. En 1996 la URSS ya estaba desmembrada y Reagan ya no tenía peso político, pero había tenido seguidores como George W. Bush padre y su primera Guerra de Irak.
Dentro de este disco hay un tema especialmente dedicado a la industria armamentista, al complejo militar - industrial y a la fabricación artificial de conflictos para aumentar la producción y la colocación comercial de las armas. Ese tema es Bulls On Parade, presentado como single del álbum. Resultó uno de los más celebrados de las giras y presentaciones durante 1996 y 1997 y dio pie a un clip dirigido por Peter Christopherson, emitido por primera vez en MTV y nominado para mejor video de Hard Rock en los premios de videos musicales de MTV de 1996. 

La letra es de por sí elocuente:

Bulls On Parade


Come with it now
Come with it now

The microphone explodes, shattering the molds
Ya either drop tha hits like de la O or get the fuck off the commode
With the sure shot, sure to make the bodies drop
Drop and don't copy yo, don't call this a co-opt
Terror rains drenchin', quenchin' the thirst of the power drones
That five sided fist-a-gon
The rotten sore on the face of mother earth gets bigger
Tha triggers cold empty your purse

They rally round the family
With a pocket full of shells

Weapons not food, not homes, not shoes
Not need, just feed the war cannibal animal
I walk the corner to the rubble that used to be a library
Line up to the mind cemetary, now
What we don't know keeps the contracts alive an movin'
They don't gotta burn tha books they just remove 'em
While arms warehouses fill as quick as the cells
Rally round tha family, pocket full of shells

Rally round the family
With a pocket full of shells

They rally round the family
With a pocket full of shells

Bulls on parade

Come with it now
Come with it now

Bulls on parade
Bulls on parade
Bulls on parade
Bulls on parade
Bulls on parade




Las imágenes también son elocuentes. Pero allí encontramos algunos pasajes donde se ven creaciones de la artista activista - feminista Barbara Kruger, largamente reconocida a nivel mundial por su obra conceptual de tremenda contundencia. Los dibujos que Kruger aporta para este video y que estarán presentes también en la escenografía que diseñaría para la gira 1997 de la banda, se basan en una mirada crítica de su propia cultura, que en el caso de la artista va más allá de la epidermis política del asunto, como veremos luego. Pero lo que aparece en el video de RATM toma pie en una obra de Kruger donde reinterpreta la plástica de la bandera estadounidense en un campo de color surcado por frases, duras interrogaciones, cuestionamientos a su propia cultura.
Este tipo de cuestionamiento es el que aparece en las frases que acompañan los dibujos de Kruger presentes en el video:




Un conjunto de estos dibujos y una bandera estadounidense grafiteada componen la escenografía de la gira 1997 de la banda.


La plástica de Barbara Kruger se basa en el fuerte impacto de imágenes, generalmente fotográficas, muy certeras y expresivas de por sí, acompañadas por duras sentencias, lacónicas y profundamente cuestionadoras. Todos los aspectos de la realidad pasan por su ojo y se pasan por el tamiz de la desacralización de dogmas culturales.
Su perspectiva feminista la lleva a dar mucha importancia al género y al cuerpo. Aquí, dos ejemplos:



El cuerpo femenino considerado como el terreno donde se desarrollan las batallas, no solo las más obvias de la sexualidad. dentro de las cuales entran el abuso, la violación, el acoso y otras variantes, sino las batallas de la estética [el desnudo femenino en arte, moda y publicidad, la transformación del cuerpo fememino por medios quirúrgicos, cosméticos, dietéticos, con finalidades de imagen], las batallas de la ciencia [medicamentos destinados a la fisiología femenina, a la maternidad, al combate de la esterilidad o al fomento de la fertilidad, o a la anti o contra concepción, etc], las batallas de la tecnología y la industria [el diseño para la mujer de artefactos que son pensados para facilitar las tareas "propias" de la mujer, el diseño de moda en todas las gamas de la vestimente, tanto para cuando tiene que estar vestida como para cuando debe desvestirse], y tantas otras batallas.



El cuerpo masculino considerado desde el tabú de acercamiento de hombres entre sí, excepto a través de "rituales" culturales que permiten la licencia de tocar el cuerpo de otro hombre. Esta imagen, propia de una despedida de soltero o de una boda, con alto grado de agresividad lúdica, puede compararse también con los deportes de alto contacto físico [rugby, fútbol americano, lucha libre, artes marciales varias, boxeo, etc.] o incluso con el tipo de baile que practican los espectadores de RATM en sus conciertos, el pogo.
Kruger ataca tantísimos otros aspectos:


El consumismo: transforma irónicamente la máxima cartesiana del Pienso, por lo tanto existo, en Compro [voy de tiendas], por tanto soy.



La épica patriótica y su mitología cinematográfica. En el contexto de la Guerra de las Galaxias de Reagan [ícono cinematográfico de esa épica patriótica], su reclamo de no necesitar más héroes que los que las guerras ya se llevaron.




Los estereotipos estéticos, intelectuales, raciales, sociales, éticos, etc., que se traslucen en su serie de Not ... enough



Los temas de la identidad y la alteridad, de la diversidad y la tolerancia, del funamentalismo y el dogmatismo.
O los cuestionamientos sobre la vida y la muerte en sus extremos del aborto y la pena de muerte.

Una magnífica artista digna de ser conocida y de reflexionar a la luz de tan devastadora elocuencia.
Parte de la gráfica del álbum Evil Empire de RATM corresponde a imágenes de Kruger, pero la carátula tiene una procedencia distinta que involucra a otro gran artista contemporáneo. Se trata del plástico pop de la costa oeste Mel Ramos. Muy conocido por haber explotado la estética de las pin up girls de las tapas de revista baratas y la de los logos comerciales de muchos productos de consumo masivo, así como las imágenes de los super héroes de los comics [tebeos en España, bandes desinées en Francia, manga en Japón e historietas o tiras en el Río de la Plata]. En este caso no es que Ramos haya diseñado la tapa, sino que ésta se diseñó modificando una obra suya, Crime Buster.
El fuerte valor icónico de imágenes como esta llevó a que fuera resignificada para el álbum de RATM, y transformada en Evil Empire.


Las modificaciones son visibles, las de la imagen y el rótulo en sí más el destaque de la estrella de cinco puntas y el agregado del logo que identifica a la banda.

Algunas obras de Mel Ramos donde se explota el potencial visual del cuerpo femenino y las marcas de consumo:







Obras en las que enlaza la estética pop con la resignificación de obras del arte universal de los grandes maestros.

Con la Olimpia de Manet

Con la Venus del espejo de Velázquez
 

Con la Gran Odalisca de Ingres
 

Y obras de Ramos que retoma la temática de los super héroes de comics como objeto de consumo de la sociedad contemporánea.


De este modo enlazamos tres instancias artísticas y culturales que hacen a la música y la plástica, al registro grabado y al filmado y a la gráfica en el disco que consiste en un territorio artístico donde incursionan también los artistas reconocidos, así como la propia visión artística de tapa permite echar mano y resignificar la obra artística independiente.

Esperamos que haya sido un post provechoso.
Hasta pronto

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